суббота, 14 июля 2018 г.

Выставка Верещагин




Летом 1877 года началась последняя в длинной череде русско-турецких войн. За ней следит вся Европа: подавляющее большинство влиятельных интеллектуалов (например, Чарльз Дарвин, Оскар Уайлд, Виктор Гюго) поддерживают Россию. А их правительства — Османскую империю.Василий Верещагин, уже повидавший немало азиатских кампаний, сразу отправляется в самую гущу событий.

Поэты против султана

После унизительного поражения в Крымской войне (1853-1856) Россия оказывается в международной изоляции. Одновременно в Османской империи одно за другим вспыхивают восстания балканских христиан, недовольных ущемлением их прав и резко возросшими налогами на немусульманское население. Самым кровавым становится Апрельское восстание в Болгарии в 1876 году: турецкие власти жестоко подавляют мятеж, сжигая целые деревни и казня всех оставшихся в живых. Болгарское восстание вызывает широкий резонанс по всей Европе. Оскар Уайлд в «Сонете по поводу резни христиан в Болгарии» обращается к Иисусу:
«Истреблены врагом без сожаленья
Священники близ мёртвых алтарей.
Ты видишь ли страданья матерей,
Детей, убитых, втоптанных в каменья?
Сын Божий, снизойди! Над миром тьма…».
Константин Маковский. Болгарские мученицы. 1877 год © Wikimedia Commons
Сербия и Черногория по очереди объявляют войну Турции и просят помощи у всей Европы, в первую очередь у традиционного союзника — России. Общественное мнение европейских стран на стороне сербов. Среди европейских политиков подобного единодушия не было. Консервативный премьер-министр Великобритании Бенджамин Дизраэли активно поддерживал Турцию. Австрийское правительство колебалось: с одной стороны, его пугала перспектива усиления Российской империи; с другой — можно было поучаствовать в дележе рушащейся Османской империи. Франция и Германия сохраняли нейтралитет.
Британия призывает Бенджамина Дизраэли прервать нейтралитет. Английская карикатура. 1876 год © Getty Images
Последней попыткой избежать войны становится Лондонский протокол, в котором великие державы рекомендуют Османской империи принять изменения в управлении балканскими странами. Турки отклоняют предложение, заявив, что это вмешательство во внутренние дела государства, противное их достоинству. 12 апреля 1877 года Россия объявляет войну Османской империи.
Положение на Черном море. Карикатура, 1877 год © Двуглавый орел символизирует страны черноморского региона, на заднем плане медведь, обозначающий Россию

Война затягивается

Новость о войне в России встретили радостно: добровольцами на войну уехали врачи Склифосовский, Пирогов и Боткин, писатель Гиляровский и множество блестящих светских юношей из высшего света (даже вымышленных; на эту войну отправляется, например, Вронский в «Анне Карениной»). Верещагин тоже добился зачисления в состав армии, но с правом свободного перемещения по войскам, чтобы иметь возможность увидеть как можно больше. В этот момент он жил и работал в Париже, и, понимая, что вполне может не вернуться к семье, оставил своему парижскому приятелю завещание и записку: «Любезный друг, прилагаемый конвертик вскрой только в случае какого-нибудь несчастья со мной. При первом свидании возврати мне его».
Верещагин, в отличие от подавляющего большинства своих современников-баталистов, всегда стремился вести тот же образ жизни и подвергаться тем же опасностям, что и солдаты. Делал он это вполне осознанно: «Выполнить цель, которою я задался, — дать обществу картины настоящей, неподдельной войны нельзя, глядя на сражение в бинокль из прекрасного далека, а нужно самому всё прочувствовать и проделать — участвовать в атаках, штурмах, походах, поражениях, испытать голод, холод, болезни, раны… нужно не бояться жертвовать своей кровью. Иначе картины будут "не то"».
Начало войны было удачным для России, но неудачным для Верещагина. Он сразу же бросился на передовую, чтобы поучаствовать в переправе войск через Дунай. Верещагин очень хотел увидеть взрыв подводной мины и зарисовать его. Правда, набросать этюд не удалось: корабль «Шутка», на котором находился художник, был обстрелян турецким флотом. Верещагин получил серьезное ранение в бедро, которое едва не привело к гангрене и ампутации ноги. Верещагину пришлось надолго отправиться в госпиталь, что его очень расстроило: «А ну как да война-то скоро закончится миром, как уже стали поговаривать, и я ничего не увижу?!».
Друзья в письмах укоряли художника за то, что он без нужды рисковал жизнью в первом же боевом столкновении — упрек, видимо, настолько надоел Верещагину, что он отвечал довольно резко: «Слушайте, я оставил Париж и работы мои не для того только, чтобы высмотреть и воспроизвести тот или другой эпизод войны, а для того, чтобы быть ближе к дикому и безобразному делу избиения; не для того, чтобы рисовать, а для того, чтобы смотреть, чувствовать, изучать людей. Я совершенно приготовился к смерти (еще в Париже), потому что решил, выезжая в армию, всё прочувствовать, сам с пехотою пойти в штыки, с казаками в атаку, с моряками на взрыв монитора и т. д.».
Верещагину не стоило переживать о том, что война закончится слишком быстро. Перешедших через Дунай войск оказалось недостаточно для дальнейшего наступления. Во главе армии стояли несведующие в военном деле родственники императора и старые и коррумпированные генералы николаевской эпохи. Управление армией было хаотичным, что приводило к курьезным ошибкам: например, один отряд принял городок Никополь за Плевну, занял город и несколько дней праздновал мнимую победу.

Шипка и Плевна

Собственно, за Плевну шло самое долгое и самое важное сражение в этой войне. Плевна была важнейшим маршрутным узлом, соединяющим Софию и Шипкинский перевал, уже занятый русскими войсками. После двух попыток штурма русская группировка под Плевной была увеличена до 100 тысяч солдат. Город обороняло 45 тысяч турок. Взятие Плевны должно было стать подарком к именинам императора — Александр II сам приехал посмотреть на долгожданную победу. К этому времени к Плевне приезжает и вылечивший ногу Верещагин. Он включен в свиту императора и вместе с ним издалека наблюдает за штурмом под шампанское.
Император Александр ІІ с гвардейцами у Плевны. 1877 год
Император волнуется, и не зря: третий штурм тоже отбит. В этом сражении погиб брат Верещагина Сергей, кавалерийский офицер (художник узнал об этом лишь через несколько недель). После трех провальных попыток штурма было принято решение взять город осадой, и только спустя несколько месяцев блокада привела к долгожданной сдаче Плевны.
Начиналась зима, а вынужденные воевать в горах солдаты были к ней совершенно не подготовлены. Если убитыми за октябрь-декабрь 1877 г. русская армия потеряла 700 человек, то обмороженными — почти десять тысяч.
Русская армия в Болгарии © Ревенский М.П. В память Восточной войны. Альбом военно-походной светописи. Санкт-Петербург, 1878 год
Однако взятие Плевны открыло дорогу на Константинополь. Верещагин следует за армией, возглавляемой его другом еще по туркестанским походам генераломСкобелевым. 11 февраля Скобелев занял местечко Сан-Стефано; до Константинополя, заветного Царьграда, оставались буквально километры. Османская империя повержена, и султан готов подписать мир на условиях России. Победам Скобелева посвящена картина «Скобелев под Шипкой», написанная Верещагиным по возвращении в Париж. Однако не смотря на то, что формально художник изображает момент главного триумфа русских войск, настроение у картины совсем не праздничное. Этот эффект создается необычной композицией: по всем канонам парадных батальных полотен генерал Скобелев и его свита должны были бы быть на первом плане, празднующие войска — на втором, а трупы убитых — не больше чем фоном, таким же, как горы. Однако Верещагин предлагает прямо противоположное решение: вполне натуралистично написанные трупы русских и турок занимают весь первый план; именно убитые — главные герои картины. Возможно, даже не все из них мертвы: один из солдат лежит с поднятой рукой — то ли это раненый, умоляющий о помощи, то ли окоченевший труп. В любом случае, картина создает скорее трагическое, чем победное настроение.
Василий Верещагин. Шипка-Шейново (Скобелев под Шипкой). До 1890 года © Государственный Русский музей
Такой подход к написанию даже сцены победы и празднования очень характерен для Верещагина («Я оставил Париж не для того, чтобы воспроизвести тот или другой эпизод войны, а для того, чтобы быть ближе к дикому и безобразному делу избиения»). Верещагин всегда стремился передать честную, а потому часто совершенно непривлекательную картину войны.
Василий Верещагин. Побежденные. Панихида по павшим воинам © Государственная Третьяковская галерея
В письме своему приятелю, художественному критику Стасову, он пишет: «Затрудняюсь передать Вам впечатление массы в несколько сот наших егерей, павших под Телишем и изуродованных турками. На земле валялось десятка 3, 4 хотя и раздетых догола, но не избитых; а в отдельных кучках, прикрытых землею, лежали тела всячески избитые: у кого перерезано горло или затылок, отрезан нос, уши, у некоторых вырезаны куски кожи… некоторые в груди или в других местах подожжены и обуглены. Когда этих несчастных повыкопали из набросанной на них земли, то представилось что-то до того дикое, что словами трудно сказать». Впоследствии это жуткое зрелище станет основой для картины «Побежденные. Панихида» — возможно, самой трагичного произведения Верещагина.

«Самая черная страница в моей служебной карьере»

В том же Сан-Стефано, где война закончилась для Верещагина, были подписаны предварительные условия мирного договора. Они были крайне выгодными для России: она фактически получала прямой выход к Средиземному морю через Болгарию.
Награждение Георгиевскими крестами солдат и офицеров Лейб-гвардии Московского полка. Турция. Сан-Стефано
Вернувшись с войны, Верещагин сразу же уезжает в Париж, чтобы начать работу над созданием «Балканской серии». Многие сюжеты приходится писать с нуля: около 40 этюдов были потеряны при доставке в Петербург. Зато известный критикВладимир Стасов помогает Верещагину сразу же продать начатую «Балканскую серию» меценату Павлу Третьякову. Еще не увидев картин, Третьяков пишет Стасову: «А ведь война эта — событие мировое. Только, может быть, в далеком будущем будет оценена жертва, принесенная русским народом, и за изображение-то этого события берется такой художник — и к тому очевидец».
Британский флот входит в Дарданеллы. Иллюстрация из журнала Graphic. 1878 год © Getty Images
Плодами победы России воспользоваться не удалось: Великобритания и Франция перешли к решительным действиям, приведя свои флоты в боевую готовность. Австрия тоже начала демонстративные военные приготовления. Россия не могла воевать со всей Европой один на один. Немецкий канцлер Бисмарк предложил свои услуги в качестве посредника, и на конгрессе в Берлине Сан-Стефанский мирный договор был существенно изменен не в пользу России: территория Болгарии уменьшилась в три раза, Босния и Герцеговина были переданы Австрии. В докладе императору министр иностранных дел Горчаков написал: «Берлинский конгресс есть самая черная страница в моей служебной карьере». Александр II оставил на полях отметку: «И в моей тоже».
Дополнительные материалы:

воскресенье, 11 февраля 2018 г.

Софичка

Некоммерческий фонд поддержки кинематографа "Пример интонации" (Фонд Александра Сокурова) приступает к съемкам художественного фильма "Софичка". Фильм, основанный на одноименной повести Фазиля Искандера, повествует о судьбах жителей горного абхазского села. Действие картины начинается незадолго до Великой Отечественной войны и заканчивается во времена Хрущёвской оттепели. Глобальные исторические события – лишь фон, на котором персонажам предстоит прожить свои судьбы.
Мы приглашаем желающих принять участие в съемках фильма, а также будем рады любой помощи в поисках исторического костюма и реквизита.



Интервью с исполнительницей главной роли в фильме Софичка - Ланой Басария

Ван Гог С любовью

Ван Гог С любовью

Ван Гог С любовью Винсент

Перевод:
Многоголосый
Страна:
Польша, Великобритания
Режиссер:
Хью Велчман, Дорота Кобела
Сценарий:
Jacek Dehnel, Дорота Кобела
Продюсер:
Иван Мактаггарт, Шон М. Боббитт
Композитор:
Клинт Мэнселл
Бюджет:
€5 000 000
Время:
1 час 41 минута

В ролях:
Крис О'Дауд, Элинор Томлинсон, Хелен МакКрори, Эйдан Тернер, Дуглас Бут, Robert Gulaczyk, Холли Эрл, Сирша Ронан, Джером Флинн и другие

О мультфильме:
Предлагаем посмотреть Ван Гог С любовью Винсент 2017 года на нашем сайте. Ван Гог С любовью Винсент онлайн бесплатно в хорошем качестве hd без регистрации. Так же, помимо онлайн просмотра вы можете скачать Ван Гог С любовью Винсент бесплатно нажав на соответствующую вкладку и дождавшись поиска торрент раздач.

Кому из нас не известен виднейший художник Ван Гог? Точно можем утверждать, что какое-нибудь из его полотен хотя бы раз в жизни видел каждый образованный человек. Представленная лента открывает зрителю путь в жизнь великого творца. В те далекие дни, где он родился, скитался в поисках заработка и источника вдохновения. Особенность фильма кроется в том, каким способом он был снят. Здесь нет актеров, крупных и задних планов, спецэффектов и прочей атрибутики современного кинематографа. Напротив, шесть лет назад режиссером были собраны 83 художника для написания жизни мастера на холстах. Общее количество картин достигло отметки 62450.Вся эта своеобразная анимация превратила ленту «Ван Гог. С любовью, Винсент» в произведение искусство, написанное в стиле идентичном тому, что и знаменитые «Подсолнухи» и «Сиреневый куст».
Еще большей загадкой для нас и поныне осталась смерть величайшего «маэстро красок и кисточек», и картина как бы приоткрывает завесу тайны, предлагая один из вариантов того, как случилась трагедия. Захватывающее начало представляет картину, на которой раненный человек плетется по одиноким улицам, истекая кровью, что заставляет всех смотреть полный фильм. © HDKinoMax.club

Полный фильм Ван Гог С любовью Винсент онлайн также доступен на телефоне и планшете под управлением андроид (Android с поддержкой HLS), и на iPhone и iPad под управлением iOS.


воскресенье, 7 января 2018 г.

Скандальные эксперессионисты

Le scandale impressionniste

Категория : новинки кино | |просмотров: 863


Страна-производитель: Франция, 2010
Режиссер: Франсуа Леви-Кюэнц
Актеры: 
Жанр: Документальные
Продолжительность: 52 мин.
Ограничения по возрасту: 12
Краткое описание: Вдохновленное Барбизонской школой реализма и такими мастерами, как Коро, Руссо, Милле и Добиньи, на художественной сцене появляется новое поколение художников — Курбе, Писсарро, Йонгкинд, Ренуар, Базиль, Сезанн, Кайботт, Берта Моризо и Клод Моне.
  Стремясь «увидеть мгновение», импрессионисты утверждали красоту повседневной действительности, выступали против условностей привычных жанров, вызывая насмешки и откровенную неприязнь мэтров и публики. «Салон отверженных» на долгие годы стал символом и прибежищем тех, кого спустя время признали важнейшими художниками конца XIX — начала XX вв.
 

суббота, 6 января 2018 г.

Густав Климт. Эгон Шиле. Рисунки из музея Альбертина (Вена)


10.10.2017 – 14.01.2018
Галерея искусства стран Европы и Америки XIX–XX веков
 




#КлимтШиле #KlimtSchiele
В ГМИИ им. А.С. Пушкина 10 октября 2017 года открывается выставка графических работ крупнейших представителей австрийского искусства начала XX века Густава Климта (1862–1918) и Эгона Шиле (1890–1918). Выставка состоится в рамках Года туризма Россия – Австрия 2017, который был анонсирован в Вене 12 января 2017 года.
На первой в России масштабной выставке произведений Климта и Шиле будет показано около 100 листов из собрания музея Альбертина (Вена) – 47 работ Густава Климта и 49 – Эгона Шиле. Эти работы относятся к разным периодам творчества художников и представляют разные типы рисунка – этюды фигур, связанные с живописными работами, портреты, самостоятельные этюды обнаженной женской модели и т.п.
Используя традиционные графические техники – черный мел, графитный карандаш, акварель, гуашь, – художники решали новые эстетические задачи, стоявшие перед ними на рубеже XIX и XX столетий.
Густав Климт, главный представитель венского модерна, пользовался репутацией феноменального рисовальщика, который обеспечил себе совершенно особое место не только в австрийском, но и в мировом искусстве. Его рисунки оказали влияние на творчество более молодых художников, в первую очередь – Эгона Шиле, который начинал карьеру в то время, когда Климт уже достиг вершины своего творчества. Усвоив опыт своего предшественника, Шиле очень рано обрел собственный неповторимый стиль, который знаменовал переход от модерна к экспрессионизму.
Работы Густава Климта и Эгона Шиле появились в Альбертине еще при жизни художников. За сто лет количество рисунков Климта в собрании музея достигло 170, а Шиле – 140; к этому можно добавить около 40 листов, поступивших в Альбертину на долговременное хранение.
Рисунки Климта пользовались огромной популярностью среди знатоков искусства и коллекционеров в годы непосредственно до и после его кончины (художник ушел из жизни в 1918 году). Со временем Климт-рисовальщик оказался в тени Климта-живописца, но в наши дни изучение его графического наследия позволило в полной мере оценить роль рисунка в творчестве мастера. После смерти Климта в его ателье осталось около 2500 рисунков – то, что не было им самим продано, раздарено или уничтожено. Всего же в настоящее время известно более 4000 рисунков художника.
Значительная часть рисунков Климта связана с тем или иным живописным произведением мастера. Сам художник практически никогда не высказывался о своих творческих замыслах ни устно, ни письменно. Именно рисунки позволяют понять метод его работы, процесс создания картины или росписи. Климт уделял большое внимание подготовительным этюдам для каждой фигуры в своих многофигурных живописных композициях. Иногда возникали целые серии, посвященные одному и тому же мотиву или позе.
Обширную категорию рисунков на выставке составляют этюды для женских портретов (портреты Серены Ледерер, Паулы Цукеркандль и др.). В этих подготовительных работах Климт стремился найти такую позу модели и такую композицию портрета в целом, которые наилучшим образом выражали бы личность портретируемой через призму восприятия художника.
Климт произвел революцию в изображении обнаженной женской натуры. В откровенной трактовке эротики он в своих рисунках пошел гораздо дальше, нежели в живописи. Некоторые этюды такого рода возникли в связи с работой Климта над живописными композициями, но большая их часть имеет автономный характер («Лежащая обнаженная»).
Графический стиль Климта претерпевал изменения на протяжении его жизни. Ранние рисунки демонстрируют основательную академическую выучку; они отличаются почти фотографической детализацией. Но в них уже проявляется то, что станет константой графического стиля Климта – главенство линейного начала, выразительность контура, в котором точность соединяется с чувственностью. Отдельную страницу в наследии Климта составляют рисунки для журнала «Ver Sacrum» (1898), построенные на контрастах черного и белого («Буквица D»); они могут считаться эталонными образцами стилистики модерна в графике. Со временем в его работах усиливается элемент стилизации и геометризации формы.
Приблизительно с 1897 года Климт рисовал черным мелом на листах коричневой оберточной бумаги, а позднее, около 1903–1904 годов стал использовать более гладкую японскую бумагу в сочетании с графитным карандашом («Сидящая полуобнаженная»). Жесткие и точные линии графита, следы которого обладают легким металлическим блеском, определяют характер рисунков, которые хронологически соответствуют «золотому стилю» в живописи («Стоящая обнаженная, беременная») В последующие годы (примерно после 1908 и особенно после 1910) в рисунках Климта намечается перелом в сторону большей свободы, раскованности и «живописности» линий, которые временами становятся прерывистыми и нервными, передающими внутреннее волнение художника («Стоящая с опущенными руками»).
Рисовальный стиль Климта, основанный на выразительности контурной линии, стал образцом для Эгона Шиле. Опыт декоративной стилизации натуры, накопленный венским модерном, был переосмыслен и применен для решения новых задач, поставленных эстетикой экспрессионизма.
Cам Шиле считал себя в первую очередь живописцем и хотел, чтобы таковым его и воспринимали. Однако в глазах многих критиков и любителей искусства Шиле-рисовальщик нередко заслоняет собой Шиле-живописца. Линия и контур играют настолько существенную роль в живописи Шиле, что рисунок может считаться основой его живописных работ. Он оставил около 3000 работ на бумаге – рисунков, акварелей, гуашей.
Представленные в экспозиции самые ранние рисунки Шиле, относящиеся к 1906 году («Автопортрет», «Бюст Вольтера») задают точку отсчета, позволяющую оценить стремительную эволюцию, которую претерпело его творчество в последующие годы. Серия эскизов почтовых открыток (около 1909) свидетельствует о том, что к тому времени художник уже освоил стилистику Сецессиона и Венских мастерских, которая отличалась декоративностью и геометрической стилизацией; в этот период он находился под сильным влиянием Густава Климта.
Но начиная со второй половины 1909 года Шиле постепенно освобождается от этого влияния; в 1910 году он окончательно обретает свой собственный оригинальный стиль. На смену декоративности и элегантности приходят экспрессия и эмоциональная напряженность («Художник Макс Оппенгеймер»). Экспрессивный контур становится главным средством выразительности в рисунках Шиле. Переход от модерна к экспрессионизму был ознаменован отрицанием «красоты» в трактовке идеалистической эстетики; он означал стирание границ между прекрасным и безобразным. Пределы искусства расширяются, оно вбирает в себя то, что раньше считалось антиэстетическим («Сидящая женщина»). В своих акварелях и гуашах Шиле использует цвет для усиления эмоционального воздействия произведения. В некоторых работах 1913 и 1914 годов штрих становится угловатым и «колючим».
На протяжении последующих лет (1915–1917) в рисунках Шиле нарастает тенденция к реализму, к передаче объема и пластики («Обнаженная, лежащая на животе»). В рисунках 1918 года культивируется непрерывная линия контура, очерчивающая сразу всю фигуру – чистый контур, лишь иногда местами дополненный скупой штриховкой. Шиле достигает безошибочной точности линий, лаконизма и экономии изобразительных средств («Лежащая обнаженная с поджатыми ногами»).
В период около 1910–1911 годов Шиле часто и охотно рисовал детей – их изображения относятся к числу первых экспрессионистических работ Шиле («Девочка в охристо-желтом платье»). В наследии Шиле-рисовальщика много портретов; очень часто это люди из его «ближнего круга».
Совершенно особый феномен в истории искусства – многочисленные автопортреты Шиле. Художник создает разные образы самого себя, примеряет «маски», разыгрывает роли, гримасничает; в некоторых автопортретах он изображает себя обнаженным. Все это – визуальные символы хрупкости своего «я», распадающегося на несовместимые составляющие. Шиле придавал большое значение экспрессивным жестам, позам и мимике – своим собственным (в автопортретах) и своих персонажей. Язык тела у Шиле придуман и инсценирован им самим; позы моделей не являются естественным проявлением реальных эмоций, а продиктованы художником («Автопортрет в обнаженном виде, гримаса»).
Значительная часть работ Шиле на бумаге посвящена женским моделям, чаще всего обнаженным. Подобно Родену и Климту, он рисовал женщин у себя в ателье, наблюдая за их поведением. Для Шиле не было запретов при изображении женщин. Все табу были сняты. Предельная откровенность в трактовке эротических мотивов была возведена в эстетический принцип («Сидящая обнаженная»).
Фигуры в рисунках Шиле вырваны из социального и бытового контекста, помещены в абстрактное поле листа, где отсутствуют какие-либо ориентиры; его персонажи существуют вне времени и пространства.
В наследии Шиле-рисовальщика совершенно особое место занимают тринадцать акварелей и рисунков, сделанных им во время тюремного заключения весной 1912 года, которое он пережил как оскорбительное посягательство на свою свободу; из них на выставке показываются два листа («Наружная дверь», «Мой путь пролегает над бездной»), имеющие характер подлинных документальных свидетельств.
Виталий Александрович Мишин, куратор выставки: «Думаю, для многих российских зрителей эта выставка станет открытием новых эстетических горизонтов. Она расширит привычные представления о красоте, выразительности и, может быть, даже о границах дозволенного в искусстве. В нашей стране, в силу разных исторических обстоятельств, гораздо лучше знают парижский авангард начала XX века, нежели художественную жизнь Вены “около 1900 года”. Это относится и к рисунку, несмотря на то, что и Густав Климт и Эгон Шиле давно признаны одними из самых выдающихся рисовальщиков в истории искусства. Но чтобы оценить чисто графическую прелесть и мощную энергетику этих произведений, их надо увидеть своими глазами: репродукции в книгах и в интернете не передают и малой доли художественных качеств, присущих рисункам этих великих австрийских мастеров. Экспозиция в залах ГМИИ, основанная на богатейшем собрании Альбертины, предоставит нам такую редкую возможность, позволит глубже понять эволюцию творчества обоих мастеров, художественный метод и неповторимый эстетический мир каждого из них».
Кураторы проекта: Виталий Мишин (ведущий научный сотрудник Отдела искусства стран Европы и Америки XIX – XX веков ГМИИ им. А.С. Пушкина) и Кристоф Мецгер (Музей Альбертина, Вена)